Ein Orchester stellt sich vor

Neben ihrer orchestralen Tätigkeit hat Katharina Fasoli auch diverse Auftritte als Solistin und in unterschiedlichen Kammermusikensembles. Zusammen mit Valerio Fasoli widmet sie sich dabei besonders erfolgreich dem Repertoire für Querflöte und Violine. Im November 2014 ist ihre erste CD mit Werken vom Barock bis zur Gegenwart beim Label Thorofon erschienen. Zudem ist sie im Bereich der Neuen Musik etabliert und arbeitete bereits mit den Komponisten Minas Borboudakis, Dieter Schnebel und Hans Zender, sowie mit namhaften Musikern wie Pierre Boulez, Kent Nagano und Jean-Guihen Queyras zusammen.

Schicksalsklänge

Schmerz, Verlust, Liebe, Tragik und himmlische Schönheit – im Programm begegnen uns ganz große Emotionen.

Neben der Komödie ist die Tragödie die wichtigste Form dramatischer Erzählungen. Hier ist der Mensch einem unverdienten und unerbittlichen Schicksal ausgesetzt; er hat keine Möglichkeit, den Ausgang positiv zu beeinflussen.

Den Geist dieser Tragik fängt Johannes Brahms in seiner Tragischen Ouvertüre ein. Er schrieb 1880 während seines Sommeraufenthalts in Bad Ischl die Akademische Festouvertüre anlässlich der Ehrendoktorwürde, die ihm die Universität Breslau verlieh. Als melancholisches Gegenstück dazu entstand zeitgleich die Tragische Ouvertüre. „Die eine weint, die andre lacht“, schrieb Brahms an den Komponisten und Dirigenten Carl Reinecke, der beide Werke in Breslau zur Aufführung brachte.
Die Ouvertüre ist in freier Sonatenform angelegt, wobei die Durchführung – der Mittelteil – in einem deutlich langsameren Tempo gestaltet ist, was die Dramatik zusätzlich steigert.
Zwei Akkordschläge setzen zu Beginn den Ton, dann folgt das erste Thema: ein eindrückliches Streichermotiv untermalt von einem spannungsvollen Paukentremolo. Es schließt sich eine marschartige musikalische Idee an, markant durch ihren punktierten Rhythmus. Schließlich erklingt ein zweites, melodisches Thema in Dur. Der langsame Mittelteil wirkt wie ein Trauermarsch, der stellenweise zu einem Scherzo changiert. In der Reprise wird das Ursprungstempo wieder aufgegriffen, ohne dass die erste Themengruppe noch einmal prominent hervortritt. Tragisch endet die Ouvertüre mit ihrem harten, unausweichlichen Mollschluss nach der erschütternden Coda.

Eine der größten Tragödien im Leben ist der Tod eines Kindes. Manon Gropius war die Tochter aus Alma Mahlers zweiter, kurzer Ehe mit dem Architekten Walter Gropius; sie starb im Alter von nur 18 Jahren. Nach Berichten von Zeitgenossen war Manon ein sehr schöne und intelligente junge Frau, die unbedingt Schauspielerin werden wollte. 1935 starb sie nach einer Reise nach Venedig an den Folgen einer Polio-Infektion.
Alban Berg war Alma Mahler und ihrer Familie eng verbunden; seine Frau Helene und er betrachteten Manon fast wie eine eigene Tochter. Die Nachricht von ihrem Tod erschütterte ihn zutiefst. Ein bereits begonnenes Violinkonzert – ein Auftrag des amerikanischen Geigers Louis Krasner – arbeitete er daraufhin um und widmete es Manon mit dem berühmten Untertitel „Dem Andenken eines Engels“.
Die Zwölftonreihe, auf der die Komposition beruht, lässt sich als Folge ineinander verwobener Dreiklänge verstehen, an die sich eine Ganztonreihe anschließt (Bild 2). Die durch die Dodekaphonie entstehenden Klänge sind für ungeübte Ohren mitunter eine Herausforderung; wer sich jedoch darauf einlässt, dem eröffnet sich eine Welt von herber Schönheit.
Mit dem ersten Satz möchte Berg nach eigener Aussage „Wesenszüge des jungen Mädchens in musikalische Charaktere umsetzen“. Liebliche, zarte Quintklänge eröffnen den Satz, es folgt ein Allegretto in lebhafter, heiterer Grundstimmung. Berg zitiert ein Kärntner Kinderlied, um an Manons Aufwachsen in Österreich zu erinnern; auch Anklänge an den Wiener Walzer lassen sich entdecken.
Der zweite Satz hingegen thematisiert Tod und Verklärung, die Musik wird zunehmend transzendent. Nach einer langen, begleiteten Solokadenz erklingt eine rhythmische Figur, die an den Tango erinnert: das Motiv des Todes. Als Höhepunkt zitiert Berg den Bach-Choral „Es ist genug“, gespielt im Wechsel von Solovioline und Klarinetten. Die Anfangstöne des Chorals bilden zugleich das Ende der Zwölftonreihe: vier aufeinanderfolgende Ganztöne. Der Text des Liedes lautet: „Es ist genug, / Herr, wenn es dir gefällt, / so spanne mich doch aus.
Mein Jesus kömmt! / Nun gute Nacht, o Welt! / Ich fahr ins Himmelshaus …“
Diese tröstlichen Worte und Klänge begleiten auch Bergs eigenen Abschied von der Welt: Der Komponist starb nur wenige Monate nach der Vollendung dieses Werkes im Alter von 50 Jahren.

Die Werke Carl Reineckes spielen im heutigen Konzertleben nur noch eine kleine Rolle; zu Lebzeiten jedoch konnte er sich großer Bekanntheit und zahlreicher Erfolge erfreuen. Bereits im Alter von sieben Jahren komponierte er sein erstes Stück, mit zwölf Jahren gab er sein Debüt als Pianist in seiner Heimatstadt Altona (damals Teil Dänemarks) und wurde anschließend von seinem ehrgeizigen Vater auf Konzerttourneen durch Europa geführt. Dies brachte ihm gute Kritiken und die Aufmerksamkeit des dänischen Königs ein.
Als junger Mann durfte er – finanziert vom dänischen Königshaus – drei Jahre in Leipzig verbringen, wo er Musik studierte und enge Bekanntschaft mit den von ihm bewunderten Felix Mendelssohn Bartholdy und Robert Schumann schloss. Beide wurden zu unüberhörbaren musikalischen Vorbildern, was Reinecke in Gesprächen selbst mehrfach bestätigte. In all seinen Kompositionen lassen sich die Klang- und Formideale der frühen Romantik deutlich erkennen.
Nach Anstellungen am dänischen Hof als Pianist, am neugegründeten Kölner Konservatorium als Klavierdozent sowie als Musikdirektor in Breslau (heute Wrocław in Polen) wurde Reinecke schließlich zum Kapellmeister des Leipziger Gewandhauses berufen – eine äußerst renommierte Stellung, die er von 1860 bis 1895 innehatte. Parallel dazu wirkte er bis 1902 als Professor für Klavier und Komposition am Leipziger Konservatorium; zu seinen Schülern zählten unter vielen anderen bedeutenden Musikern auch Edvard Grieg, Charles Villiers Stanford und Hugo Riemann.

Reinecke ließ sich bei seiner Zweiten Sinfonie von einer Figur aus der dänisch-norwegischen Geschichte inspirieren: Håkon Jarl(ca. 935–995) herrschte rund 25 Jahre als norwegischer Fürst unter dänischer Oberhoheit. Als letzter Herrscher hielt er an den alten nordischen Göttern und überlieferten Riten fest. Sein Leben war geprägt von Gewalt, Machtkämpfen und Blutrache; schließlich verlor er durch einen Aufstand und die Ankunft des neuen, christlichen Königs Olaf Tryggvason seine Herrschaft und wurde auf der Flucht von seinem eigenen Diener ermordet.
Der junge dänische Dichter Adam Gottlob Oehlenschläger hatte bereits 1805 ein wirkungsvolles Historiendrama über die historisch verbürgte Wikingerfigur verfasst, versehen mit dem eindrucksvollen Untertitel „Die untergehenden Götter“. Darin erscheint Håkon Jarl nicht als Held, sondern als moralisch fragwürdige und zugleich tragische Figur inmitten des unausweichlichen Übergangs von einem Glaubens- und Herrschaftssystem zu einem anderen. Bedřich Smetana griff diesen Stoff bereits 1861 in seiner gleichnamigen symphonischen Dichtung auf.

Carl Reinecke vollendete 1874 in Leipzig seine Zweite Sinfonie. Er distanzierte sich ausdrücklich von enger Programmmusik; anders als die Tondichtungen von Zeitgenossen wie Liszt oder Wagner orientieren sich seine Werke streng an den überlieferten Formprinzipien der klassischen Musik – ganz in der Nachfolge Mendelssohns. Dennoch erlaubte er in seinem Vorwort, die vier Sätze mit folgenden, frei deutbaren Überschriften zu versehen:
I. Håkon Jarl
Vielleicht wird die Epik der weit zurückliegenden Geschichte in der langsamen Einleitung, dem stürmischen ersten Thema, dem breit fließenden zweiten Thema mit seinen schönen Hornsoli sowie den effektvollen Bläsereinsätzen musikalisch ausgedrückt.
II. Thora
Sowohl die Ehefrau als auch eine der zahlreichen Geliebten Håkons trugen diesen altnordischen Namen. Die zarten, klagenden Klänge und die reichen chromatischen Modulationen lassen sich als musikalischer Ausdruck sehnsüchtiger Liebe deuten.
III. In Odins Hain
Dem Kriegs- und Weisheitsgott Odin waren Baumgruppen geweiht; solche Haine galten als besonders heilige Orte. Der dritte Satz wirkt wie ein charmantes Intermezzo – vielleicht eine Ruhepause im heiligen Wald vor dem letzten Kampf.
IV. Olufs Sieg
Der Finalsatz beginnt zögernd, bevor das Hauptthema heroisch und feurig in der Durtonika hervorbricht und damit die Spannung der vorangegangenen Molltonarten auflöst. Das thematische Material wird unter Einbeziehung vielfältiger Variationen verarbeitet; im letzten Abschnitt ist zudem eine Reminiszenz an den Beginn des ersten Satzes eingearbeitet.
Die Ankunft Olaf Tryggvasons besiegelt den Untergang Håkon Jarls – gemeinsam mit dem alten Glaubenssystem – und bereitet den Boden für die Christianisierung Skandinaviens.

In den Werken von Brahms, Berg und Reinecke begegnen sich persönliche Tragik, historischer Umbruch und existenzielle Grenzerfahrung – über stilistische Grenzen hinweg wird menschliches Leiden ebenso hörbar wie Transzendenz und Trost.

© Clara Hahn